一、贝多芬生平及奏鸣曲简介
路德维希·范·贝多芬（1770——1827），德国著名钢琴家，作曲家。一生共创作9首编号交响曲，35首钢琴奏鸣曲（其中后32首带有编号），10部小提琴奏鸣曲、16首弦乐四重奏、1部歌剧，2部弥撒灯。由于贝多芬集古典主义之大成，开浪漫主义之先河，因此，常被人们尊称为乐圣，在欧洲乃至世界具有深远的影响力。尤其是其32首奏鸣曲，几乎每一首乐曲都具有别具一格的艺术性，从而成为后人学习和研究的典范。
贝多芬的三十二首钢琴奏鸣曲，是巴赫的四十八首平均律后，钢琴文献中的最大曲集。贝多芬从青年时代开始创作，一直持续到晚年。每每聆听或弹奏这些奏鸣曲，对于理想、坚韧、苦难、命运、热情、自然、人性等词汇都会有着不同的体悟或感触。当这些内容若丝线交织在一起，贝多芬绚烂而非凡的一生便也若锦缎般织就。因此，英国路易肯曾说过，若贝多芬是人类文化空前伟大的艺术家的话，那他的艺术气质也在他的钢琴奏鸣曲中得以升华。
贝多芬的三十二首奏鸣曲，生动地展现出作曲家内在演变的不同阶段。虽然同出一源，在每首奏鸣曲之间却也有着巨大的差异。想必大家对奏鸣曲都有所认知或了解，因此在这里仅作简要介绍。今日所指的奏鸣曲，于十八世纪日臻完美。一般是由三或四个乐章组成的套曲，第一乐章通常以奏鸣曲式写成，第二乐章为慢板，第三乐章为小步舞曲或谐谑曲，第四乐章为回旋曲。就贝多芬个人风格而言，在形式上，贝多芬的奏鸣曲更接近于海顿喜欢和擅长运用的短小动机发展的作曲技巧。奏鸣曲式是歌曲三段体为ABA的一种发展，即第一主题A后面接着第二主题B，然后再现A。一个主题整体代替8小节或16小节的简单乐思，这个主题整体我们称之为显示部，接着是发展部，即三段体中的B，然后是显示部A中的主题再现，但主调这时必须占统治地位，因此称之为再现部。在显示部中，第一主题与第二主题常常是主调与属调的关系，或者是大调与小调的关系。而在再现部中，有的主题消失了，或都回到主调上来。至于发展部，则常以显示部的某些主题材料加以自由转调的幻想创造。（若大家对奏鸣曲的历史和具体结构感兴趣，可以推荐一个入门材料：网易公开课之耶鲁大学《聆听音乐》第9集——奏鸣曲式：莫扎特和贝多芬，虽然该课主体是莫扎特，但很生动形象，即使毫无基础，也能很直观的明白）
回到正题，在演奏奏鸣曲时，若想更好把握乐章，都需要大致了解这种较为复杂的曲式。显示部、发展部和再现部，显示部和再现部的主部和副部，还有各种连接和发展的小的部分，象韧带和经络那样遍布全曲。发展部是奏鸣曲或乐章的中心部分，其中包含从不同材料来发展的不止一个部分。贝多芬奏鸣曲的发展部比以前作曲家的要长而大很多。这也是贝多芬奏鸣曲特征之一。“热情”奏鸣曲发展部的长度相当于整个显示部，把音乐推进到了最高潮，可谓淋漓尽致。调性布局也是这种曲式的特点之一。如果不是这样，也就不会有显示部和再现部的区别。此外，显示部和再现部都各有小结束部，全乐章另有结束部。无论大家作为演奏者的角度，若熟知这些，就能站在更高的理性角度上把乐章严密地组织起来，使演奏在形式上和逻辑上更加精进。当然，对于聆听者而言，则常常可以解决一个基本的问题：这支奏鸣曲，我听到了什么部分？离结束还有多远？乐章与乐章之间究竟是怎么划分等等。

贝多芬的奏鸣曲分为三个时期，李斯特曾作了这样简要而精准的描述：少年——丈夫——神。
为了在下文分析时，让大家对贝多芬奏鸣曲的创作时期和具体作品有个大体的背景认知，楼主暂将贝多芬三十二首钢琴奏鸣曲列表如下：
奏鸣曲
第1号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.1 Op.2.1
1795
F小调
奏鸣曲
第2号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.2 Op.2.2
1795
A大调
奏鸣曲
第3号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.3 Op.2.3
1795
C大调
奏鸣曲
第4号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.4 Op.7
1796-1797
E大调
奏鸣曲
第5号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.5 Op.10.1
1796-1798
C小调
奏鸣曲
第6号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.6 Op.10.2
​
F大调
奏鸣曲
第7号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.7 Op.10.3
​
D大调
奏鸣曲
第8号钢琴奏鸣曲(悲怆)
Piano Sonata No.8 Op.13
1798-1799
C小调
奏鸣曲
第9号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.9 Op.14.1
1798-1799
E大调
奏鸣曲
第10号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.10 Op.14.2
​
G大调
奏鸣曲
第11号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.11 Op.22
1800
降B大调
奏鸣曲
第12号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.12 Op.26
1800-1801
降A大调
奏鸣曲
第13号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.13 Op.27.1
1800-1801
降E大调
奏鸣曲
第14号钢琴奏鸣曲(月光)
Piano Sonata No.14 Op.27.2
1801
升C小调
奏鸣曲
第15号钢琴奏鸣曲(田园)
Piano Sonata No.15 Op.28
1801
D大调
奏鸣曲
第16号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.16 Op.31.1
1801-1802
G大调
奏鸣曲
第17号钢琴奏鸣曲(暴风雨)
Piano Sonata No.17 Op.31.2
​
D小调
奏鸣曲
第18号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.18 Op.31.3
​
降E大调
奏鸣曲
第19号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.19 Op.49.1
1805
G大调
奏鸣曲
第20号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.20 Op.49.2
​
G大调
奏鸣曲
第21号钢琴奏鸣曲(华尔斯坦)
Piano Sonata No.21 Op.53
1803-1804
C大调
奏鸣曲
第22号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.22 Op.54
1804
F大调
奏鸣曲
第23号钢琴奏鸣曲(热情)
Piano Sonata No.23 Op.57
1804-1806
F小调
奏鸣曲
第24号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.24 Op.78
1809
升F大调
奏鸣曲
第25号钢琴奏鸣曲(杜鹃)
Piano Sonata No.25 Op.79
1809
G大调
奏鸣曲
第26号钢琴奏鸣曲(告别)
Piano Sonata No.26 Op.81a
1809
降E大调
奏鸣曲
第27号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.27 Op.90
1814
E小调
奏鸣曲
第28号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.28 Op.101
1815-1816
A大调
奏鸣曲
第29号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.29 Op.106
1818-1819
降B大调
奏鸣曲
第30号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.30 Op.109
1818
E大调
奏鸣曲
第31号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.31 Op.110
1821
降A大调
奏鸣曲
第32号钢琴奏鸣曲
Piano Sonata No.32 Op.111
1819-1822
E小调

我就是来吐槽下挖坑王的 哈哈 可以删楼了

哦呵呵，科普贴，本人大爱~楼主要加油啊！！

果断抱走啦。。。 楼主大好人，新年一定收到大红包！

在贝多芬第一时期的奏鸣曲中，一般都采用四个乐章的结构，这也是贝多芬的一种创造，贝多芬是第一个在传说的三个乐章中间加一首小步舞曲成谐谑曲的作曲家。这一时期贝多芬创作了十五首钢琴曲。前三首奏鸣曲作品是贝多芬早期青年时代的作品，大胆、有力，对于钢琴的演奏才能充满自信。这几首贝多芬早期的作品为维也纳古典乐派的影响很深，尤其有很深的海顿的烙印。第四首奏鸣曲既宏伟开阔，又富有柔情，而且包含许多优美曲调和动人的和声。第五、六首虽然短小精炼，但又非常出色。第七首优美、幻想，其间更不乏一种的贝多芬的自我得意。作品13，“悲怆”奏鸣曲在贝多芬的创作演奏中是一个重要的阶段，在这首奏鸣曲中，莫扎特和海顿的影响已经完全消失。第九、第十首奏鸣曲是贝多芬奏鸣曲的真正人门教材。两首曲子比较短小、简单富有旋律。作品26，在这首奏鸣曲中贝多芬打破了际规在第一乐章中运用了葬礼进行 曲，在演奏时要注意弹出和弦深沉的低音和内声部，以取得阴暗沉痛的效果。第十四首 “月光”奏鸣曲也是一部经典之作。在意境和音色中很难弹好。第十五首 “田园”奏鸣曲内容和平开阔而优美。这十几首奏鸣曲是贝多芬早期的作品。继承了维也纳海顿 莫扎特的古典风格，为后来作品的创作奠定了基础。
第二个时期是贝多芬在创作道路上和成熟时期。在这个时期贝多芬确定了他创作的基本思想逻辑——“通过斗争，得到胜利。”以及他的新风格——英雄性、群众性的风格，在曲子的形式上他更加扩大了乐思的扩展性和戏剧性。加强了主题发展的集中性和逻辑性，从这个时期起，贝多芬有意识的在自己的创作中选用**的题材内容。作品31之二d小调奏鸣曲是浪漫的，贝多芬继 “悲怆”和 “月光”奏鸣曲之后，在情绪上更为焦虑，激动并在转调处理上范围更广的一首作品。“黎明”奏鸣曲作品53是举世闻名的作品，在创作这首奏鸣曲时贝多芬探索了奏鸣曲式的新路。
“热情”奏鸣曲也是这一时期典型的作品，是人类音乐作品的颠峰之一。演奏这首曲子需要充沛的热情 ，高超的技巧和强大的耐力。继 “热情”奏鸣曲之后贝多芬写出了一首作品78仅有二个乐章的短奏鸣曲。它明确了第二时期一系列奏鸣曲的边界，而接近于心灵和精细的高峰，并且由此通向最后五首奏鸣曲。“告别”奏鸣曲是贝多芬亲自写上标题的仅有一曲。作品90e小调奏鸣曲是贝多芬接近后期作品的一首。只有两个乐章，看似简单，技巧上的确不难。但意思却很难弹出来，那是很难理解的。
贝多芬的晚年，在他与疾病贫困和社会上敌对势力搏斗的同时，他的音乐创作仍始终致力于完美和发展奏鸣曲式，并最终使它达到了极高的境界。贝多芬的最后五首钢琴奏鸣曲作品 101号、106号、109号、110号、111号这组钢琴奏呜曲的价值在于它们集中表现了贝多芬晚年创作的根本倾 向——作 品趋于深刻和富哲理性以及预示了浪漫派的许多 “现代手法”。由于在这一时期贝多芬听力的丧失意味着贝多芬必须去强化声响的概念感觉。但这些后期奏鸣曲中，它们仍然是建立在最基本的古典主义基本要素之上，只不过这些和声结构和进行是以一种变形的方式表达出来的。贝多芬后期奏鸣曲的另一个特点是使用了很多冗长和难以演奏的颤音。作品 106号的第一乐章两次出现了二十四拍的颤音，而且在结尾时出现了长达三十五拍的连续颤音，颤音的本意在于表面装饰，在于通过连续的反复而使一个音得以延长以弥补钢琴不能演奏连续音的缺憾。但是贝多芬有几部作品中，它的作用更多地是产生出一种对应于犹太教礼拜仪式中的吟唱效果，与颤音的使用特征相联系的尾变奏曲式的应用，这也是贝多芬第三创作时期总体上的一个特点。在后期的五首奏鸣曲中作品 109号第三乐章以及 111号的第二乐章完全是以变奏曲的形式写成，频繁的和声变换是贝多芬晚期奏鸣曲的另一个特征。贝多芬的晚期钢琴奏鸣曲之所以让人们高深莫测、难以驾驭，这在很大程度上还由于这些赋格曲的缘故。
因此，贝多芬对他的奏鸣曲的力度、强音、音色和踏板都有较高的要求。贝多芬的奏鸣曲力度幅度较大，变化较多，还经常用强音。这些是他常用的表现方法。他亲自写上各种记号，与其说是作曲家出于细心，不如说是出于音乐内容之必需。楼主曾试过，用从头到尾差不多的力度去演奏莫扎特的某些奏鸣曲，还能听得过去，但那样去演奏贝多芬的就根本不行。这些力度变化和谱上的音符一样，是整个作品不可分割的部分。
楼主对贝多芬常见到力度变化方法的体会是：不通过渐强而突然出现一个强音；渐强之后突然变弱；强音出现在弱拍或后半拍等等。这些虽然听起来都比较生硬逆耳，然而这却是贝多芬的特色之一。
贝多芬自己的演奏，与莫扎特的玲珑细小很不一样。他喜欢热情而宏大的演奏。除力度之外 ，贝多芬对音色也有他的想法和追求。非常典型的例子就是 “月光”奏鸣曲第一乐章。贝多芬对踏板的要求也很高。“月光”奏鸣曲第一乐章的效果跟使用踏板是分不开的。 “暴风雨”奏鸣曲第一乐章的广板部分，有贝多芬所写上的踏板记号，这也十分重要，否则就会非常干枯 。贝多芬要求每一整句只用一个长的踏板，这就会造成声音的混杂不清，不少人难以忍受 ，就早早地把踏板放掉或换掉，岂不知贝多芬所需要的恰好正是这种空谷回响似的混杂不清的效果。贝多芬的确有点古怪，有很强的个性和很强的创造力，有时的确为一般人所不易理解和接受。听到他的音乐，就象遇到一个倔强的人。而邂逅贝多芬，更多的，是像更一个性格倔强却才华横溢的人交流谈天，从开始的误解焦躁到随后的安静思索以至于后来的引为知己，再难觅得对人生或命运有着如斯洞见的知音。

PS：楼主实在在码字过程中难以意识到度娘的和谐点。因此，若文中出现**，那词汇是·革·命.....

最爱科普贴。
楼主在讲述贝多芬的同时加入自己的理解,连我这个门外汉也能理解
楼主辛苦啦~

插楼~~~支持科普o(*////▽////*)q

楼主又开科普贴了，最近一直在听这张，真是越听越爱！

云迪的情感在第一乐章中表现得极其丰富且充满柔情的冥想。也许正若云迪所提及的“儒家肖邦”一样，在此乐章中云迪对情绪处理是哀而不伤的内敛有秩，其间有悲伤的吟诵，也有阴暗的预感。虽然伴奏、主题和力度的变化不是太大，但云迪却通过踏板的出色运用而将内心的波动与回忆的触动表达出来。云迪出神入化的踏板技巧，一直在楼主心中是个神话。第一乐章若梦一般的特质，与云迪的气质很好融合在一起，渐入佳境，特别是最后音符凝聚于指尖的刹那，甚至有了德彪西印象乐派的感觉。
第二乐章属于三部曲式结构。小快板，降D大调，3/4拍子。这个乐章比较短小，小快板所表现出的明朗、欢快，与前面的第一乐章凸显的沉思和低落的情绪形成了鲜明的对比。因此，李斯特曾形容这个乐章为“两个深渊中间的一朵花”。仿佛夏日里着一顶遮阳帽，穿着明丽的裙子的小女孩在花园内自由的舞蹈，阳光被帽檐的蕾丝边一一筛过，形成一道耀目的光晕。因此，这段乐章以迥然不同的轻快表情将第一乐章的沉思冥想和第三乐章的紧张气氛衔接得非常完美。第一段是连奏与断奏相呼应的主题，然后再以变奏加以重复，中部也保持在降D大调。再现第一段。这一乐章仿佛嘴角瞬间留下的温存的微笑。而云迪此段的处理，以娴熟的指法将小快板的明朗、欢快展现得淋漓尽致，闭眼嘴角挂着的一丝微笑，也让自己的思绪沉浸在那样如斯美眷的回忆光晕里。
第三乐章属于奏鸣曲曲式结构，激动的急板，升c小调，4/4拍子。乐曲犹如暴风雨般的盘旋而入第一主题，随即在升c小调的牵引下转入激情澎湃的第二主题。恰如一位琴者拉着一位听众的手，奔跑在一座跨海大桥上，桥的那头似乎透着光亮，是一个全新的世界。而进入展开部分后，两主题交错演奏，如同洪水爆发，最终以激烈的重音结束全曲，但这是却陡然发现，在两主题交错下，似乎回到了一个既似原地又不似故地的地方。也就是说，那座原本透着光亮的桥的那段，并没带人进入一个全新的世界，而像是一个莫斯特环，回到原地，沉溺在最初的情感里。奏鸣曲虽然在调性上与前乐章有着紧密联系，但表达的感情则完全不同。第一主题是热情而又不可遏制的沸腾和煽动性，犹如激烈的狂怒，又似连连的跳脚声。第二主题像是从心底发出来的申诉，它临近结束时连续的八分音符，斩钉截铁般的节奏，表现出贝多芬心底一种近乎于坚强的热情。经过短短的展开部后，内心的激动表现得更为强烈，在尾声中，沸腾的热情达到顶点时，突然沉寂下来，但汹涌澎湃的心情并没有就此平静。该乐章以突进的方式、斩钉截铁的节奏进行着积极的和声音型，楼主认为，乐章到此，贝多芬已经完成了一个情感的升华，从单纯源起的儿女情长到对人生与命运思考后的态度。这一点，也使得这支曲子不落窠臼，更为大气与包容。而云迪的演奏也在此乐章得到了爆发，热情而炽烈。因此，这首奏鸣曲听下来，云迪对《月光》一首曲子的钟爱，更多的，融入了他个人的体悟与思考，并将这种无言的声音融入了指尖下跳跃的音符中。
另外，由于云迪的踏板技巧让楼主尤为痴迷，因此，楼主曾反复聆听并结合现场视角来揣摩云迪的技巧处理。因为，贝多芬钢琴作品中有近八百个踏板的标记，在演奏中，大部分是不成问题的，但有些内容，却必须经过演奏者改动。贝多芬有关“用提起的制音器”来演奏这个月光奏鸣曲第一乐章的明确建议，在现代乐器上是不能遵守的。而云迪在弹奏时，极其灵活地使用了中踏板来抓住一些曲子的低音部分，从而起到了一种共振泛音的效果。同时，也做了一些部分的踏板更换，特别是在有共同因音的和声之间。这一点让楼主很倾心，贝多芬在创作过程总，大量的使用了踏板，虽然在贝多芬的整个创作生涯中，他一直希望在他的钢琴中有更多的东西，然而他仍然是在为他所知道的钢琴而写作，并不是为今天的乐器而创作。而云迪的处理，则给这支曲子打上了自己的烙印，增添了自我理解下的色彩。而贝多芬作品踏板的模糊使用，亦是有足够的历史先例，如巴赫、海顿。

插个楼、这种科普帖神马的最爱了、楼楼~辛苦啦~~~~

可爱的楼主