从我喜欢阿普萨萨的第一天起，我就一直在问自己一个问题，为什么喜欢他？从我看到他的第一眼，就觉得他如此不同，舞台上的他是鲜活的、性情的，就像静态中的动态，黑白中的彩色。我在想，他的不同到底来自哪里？是因为独特的表演吗？是因为声音的表情吗？是因为民族风吗？我觉得这都没有接触到本质。直到我看到决赛的《天籁怒江》，才恍然大悟。独特的本质在于，我在他的音乐当中，看到了浓浓的诗性气质，这种诗性气质，来源于一颗赤子之心。诗性气质，在当今的歌手身上，几乎已经彻底泯灭了。有的只是虚伪、做作、刻意、献媚于大众、失身于市场、以及用大牌的音乐团队来包装自己。现在的音乐没有诚意，正是因为从事音乐的人缺少傲骨，从而使音乐流于跟风和搞怪，彻底丧失了高贵的属性，彻底堕落为大众的玩物。而在他的音乐里，我却闻到了久违的高贵气息，哪怕只有几套演出服。这是来自心灵的高贵。
以前，我对艺术家的定义，是艺术水准达到一定高度的人。但萨萨打破了我的认识。在我的眼中，他是天生的艺术家。因为他的作品里，有着与生俱来的诗性。而诗歌和音乐，从来都是一对双生子。他自己创作的歌词，即便用着最直接和朴素的语言，也依然是诗，是素颜的诗。这是我对诗歌的敏锐直觉。他的音乐也一样。《庆丰收》是一部非常完整成熟的作品，再现了丰收节庆热烈的场景和氛围，这首歌考虑到了各种因素，当然也包括观众的接受，因此，在很大程度上，庆丰收是一部重在表现的作品。而我最最喜欢的是《天籁怒江》。如果说《庆丰收》重在表现，那么《天籁怒江》则是重在表达。这部作品由萨萨自己作词作曲，因而最能表达出他的精神世界。
《天籁怒江》对心灵的冲击是非常直接的。音乐和歌词对意境的营造，充满画面感。天太小，地太窄，山太高，江太怒，聊聊数笔已经把身处峡谷中的视野和感受完全体现了出来。然后一连串镜头的切换，雾、雨、太阳、月亮、摆时叶、阿妈的火塘、其布厄、阿爸的手指、酒碗、眼睛、朝霞、村庄、小孩、老人……密集的蒙太奇镜头，视角不停转换，无声地概括了怒江的自然和生活。后面的走是点睛之笔。我眼前出现的画面是，一个人不停地走，独自地走，安静地走，而他身边的场景不断变化，掠过古道、丛林、太阳、月亮，而他就这样一直一直地走着，像被催眠，果然是走不出的梦境。这段歌词纯用白描，却宛若天籁。而歌曲旋律也跟歌词配合的天衣无缝。开头对怒江峡谷的景观描述，险峻逼仄，抬头望见小小天空的感觉，奔流湍急的怒江，都在乐曲中得到了完全展现。他的高音就如此自然地顺着感觉飞上来，好像要努力地飞出峡谷。后面的一段优美抒情的旋律，想必就是在这美丽的梦境里一直走了。他的声音充满感情，如此沉醉在歌曲的意境里，那梦呓似的颤音，是在表达他自己也因为这感情的强烈而颤抖吧。中间某处他甚至闭上眼睛，面带微笑，真是陶醉了，那是我最爱的一个萨萨唱歌的神情，即便稍纵即逝。就算没有看到歌词，我也能想象他在做着一个美丽无比的梦。当他露出这个微笑的时候，我觉得满世界都开花了，变成了一个无边的梦。
他自己的词曲，他投入深情的演绎，都是直面心灵的。这首歌让人忘记技巧，因而达到很高的境界。这种境界，跟歌唱的水准并不直接挂钩，而来自于一个人心灵和音乐的境界。很多技巧高超的歌手，或许一辈子也达不到这样的境界。萨萨在演唱天籁怒江的时候，是在用音乐写诗。曲、词、演唱，完全是充满诗性的表达。而他全身心的投入，让这种诗意全面爆发出来，让这首歌超越了他那天的身体极限，以一种极其强势的姿态，冲击了观众的心灵。如果说庆丰收让人惊叹赞赏，那么天籁怒江带来的就是全身的战栗了。所以，我对萨萨的定义，是一个音乐诗人。而不是民歌手这么简单。
国人有个很奇怪的思维，就是喜欢“贴标签”，拼命给自己定位，拼命要想清楚自己做的是什么，其实这种思维反而会限制自己的发展，但这却是艺术界一个严重的现状。不自觉就会受影响。比如，要定位自己是民族唱法还是通俗唱法，自己唱的是民歌还是红歌，自己是学院派还是商业化，比比皆是。其实很多时候根本不用去急着定位自己，按照心里的想法走就好。音乐自诞生的那一天起，就是这世上最具变化和包容性的东西，它一头连着天地，一头连着人的内心。音乐形式艺术形式的划分，都是人们试图方便自己理解和掌握的做法，但另一方面，也限制艺术的境界和可能性。所以，首先要拆掉思维里的栅栏，让自己去体会音乐的最本质，跟天地自然一起吐纳，我们做音乐，无非传达自然和心灵而已。一句话，无招胜有招。一切学院派的共同弊病都在于，过于强调技巧，往往为技巧所束缚，常常过分强调细节而忽视本质。够深，却不够高，够精，却不够广。只见毛孔，不见肌肤。
而萨萨的出现让我惊喜，在他的身上我看到了无数种可能性。他有着与生俱来的艺术感觉和悟性，与生俱来的诗性气质，以及让人目瞪口呆的跨界能力。不得不让人感叹上天对他的厚爱。相信凭借着他的刻苦努力和不断学习，他会达到无法预测的高度。他现在在舞台上所呈现的艺术形式，无论是听觉、视觉、词曲、感情、表现力、掌控力、吸引力，都让我看到了自己想象中理想艺术形式的影子，哪怕只是雏形。相信他的发展道路将不同于任何一位民歌手、流行歌手、唱作人。这是阿普萨萨给我们留下的悬念，也是他不可限量的未来。我对他的将来充满希望。
阿普萨萨，是中国舞台上几十年一遇的音乐精灵，是唱作皆能达到极高境界的音乐诗人。他不仅属于民歌，他还属于整个音乐，整个世界。
以前，我对艺术家的定义，是艺术水准达到一定高度的人。但萨萨打破了我的认识。在我的眼中，他是天生的艺术家。因为他的作品里，有着与生俱来的诗性。而诗歌和音乐，从来都是一对双生子。他自己创作的歌词，即便用着最直接和朴素的语言，也依然是诗，是素颜的诗。这是我对诗歌的敏锐直觉。他的音乐也一样。《庆丰收》是一部非常完整成熟的作品，再现了丰收节庆热烈的场景和氛围，这首歌考虑到了各种因素，当然也包括观众的接受，因此，在很大程度上，庆丰收是一部重在表现的作品。而我最最喜欢的是《天籁怒江》。如果说《庆丰收》重在表现，那么《天籁怒江》则是重在表达。这部作品由萨萨自己作词作曲，因而最能表达出他的精神世界。
《天籁怒江》对心灵的冲击是非常直接的。音乐和歌词对意境的营造，充满画面感。天太小，地太窄，山太高，江太怒，聊聊数笔已经把身处峡谷中的视野和感受完全体现了出来。然后一连串镜头的切换，雾、雨、太阳、月亮、摆时叶、阿妈的火塘、其布厄、阿爸的手指、酒碗、眼睛、朝霞、村庄、小孩、老人……密集的蒙太奇镜头，视角不停转换，无声地概括了怒江的自然和生活。后面的走是点睛之笔。我眼前出现的画面是，一个人不停地走，独自地走，安静地走，而他身边的场景不断变化，掠过古道、丛林、太阳、月亮，而他就这样一直一直地走着，像被催眠，果然是走不出的梦境。这段歌词纯用白描，却宛若天籁。而歌曲旋律也跟歌词配合的天衣无缝。开头对怒江峡谷的景观描述，险峻逼仄，抬头望见小小天空的感觉，奔流湍急的怒江，都在乐曲中得到了完全展现。他的高音就如此自然地顺着感觉飞上来，好像要努力地飞出峡谷。后面的一段优美抒情的旋律，想必就是在这美丽的梦境里一直走了。他的声音充满感情，如此沉醉在歌曲的意境里，那梦呓似的颤音，是在表达他自己也因为这感情的强烈而颤抖吧。中间某处他甚至闭上眼睛，面带微笑，真是陶醉了，那是我最爱的一个萨萨唱歌的神情，即便稍纵即逝。就算没有看到歌词，我也能想象他在做着一个美丽无比的梦。当他露出这个微笑的时候，我觉得满世界都开花了，变成了一个无边的梦。
他自己的词曲，他投入深情的演绎，都是直面心灵的。这首歌让人忘记技巧，因而达到很高的境界。这种境界，跟歌唱的水准并不直接挂钩，而来自于一个人心灵和音乐的境界。很多技巧高超的歌手，或许一辈子也达不到这样的境界。萨萨在演唱天籁怒江的时候，是在用音乐写诗。曲、词、演唱，完全是充满诗性的表达。而他全身心的投入，让这种诗意全面爆发出来，让这首歌超越了他那天的身体极限，以一种极其强势的姿态，冲击了观众的心灵。如果说庆丰收让人惊叹赞赏，那么天籁怒江带来的就是全身的战栗了。所以，我对萨萨的定义，是一个音乐诗人。而不是民歌手这么简单。
国人有个很奇怪的思维，就是喜欢“贴标签”，拼命给自己定位，拼命要想清楚自己做的是什么，其实这种思维反而会限制自己的发展，但这却是艺术界一个严重的现状。不自觉就会受影响。比如，要定位自己是民族唱法还是通俗唱法，自己唱的是民歌还是红歌，自己是学院派还是商业化，比比皆是。其实很多时候根本不用去急着定位自己，按照心里的想法走就好。音乐自诞生的那一天起，就是这世上最具变化和包容性的东西，它一头连着天地，一头连着人的内心。音乐形式艺术形式的划分，都是人们试图方便自己理解和掌握的做法，但另一方面，也限制艺术的境界和可能性。所以，首先要拆掉思维里的栅栏，让自己去体会音乐的最本质，跟天地自然一起吐纳，我们做音乐，无非传达自然和心灵而已。一句话，无招胜有招。一切学院派的共同弊病都在于，过于强调技巧，往往为技巧所束缚，常常过分强调细节而忽视本质。够深，却不够高，够精，却不够广。只见毛孔，不见肌肤。
而萨萨的出现让我惊喜，在他的身上我看到了无数种可能性。他有着与生俱来的艺术感觉和悟性，与生俱来的诗性气质，以及让人目瞪口呆的跨界能力。不得不让人感叹上天对他的厚爱。相信凭借着他的刻苦努力和不断学习，他会达到无法预测的高度。他现在在舞台上所呈现的艺术形式，无论是听觉、视觉、词曲、感情、表现力、掌控力、吸引力，都让我看到了自己想象中理想艺术形式的影子，哪怕只是雏形。相信他的发展道路将不同于任何一位民歌手、流行歌手、唱作人。这是阿普萨萨给我们留下的悬念，也是他不可限量的未来。我对他的将来充满希望。
阿普萨萨，是中国舞台上几十年一遇的音乐精灵，是唱作皆能达到极高境界的音乐诗人。他不仅属于民歌，他还属于整个音乐，整个世界。
